  |   |   | 01 Chinatusche auf Packpapier, 300cm*70cm, 2006 02 Chinatusche auf Kunststofffolie, 300cm*90cm, 2010 03 Chinatusche auf Transparentpapier, 300cm*90cm, 2010 04 Chinatusche auf schwarzem Karton, 300cm*50cm, 2005 05 Chinatusche auf Packpapier, 300cm*70cm, 2006 06 Chinatusche auf Kunststofffolie, 300cm*75cm,2010 |
Rudolf zur Lippe
„Das Denken zum Tanzen bringen“
Gestische Malerei
27.08.-11.09.2010
Vernissage der Ausstellung: Freitag, der 27.August 2010 ab 20 Uhr.
Seit der ersten Ausstellung von Rudolf de Lippe in Heidelberg 1964 brachte der herausragende Kritiker Albert Schulze Vellinghausen ihn in Verbindung mit Ben Nicholson, dessen lebensvoller Strich ihn beeindruckte als Beziehung und Grenze zugleich zwischen Räumen, und mit Antonio Calderara mit seinen monochromen Bildern. Dieses Vorgehen wird Rudolf de Lippe für viele Jahre ebenso verfolgen, wie er auch geometrische Collagen aus Zeitungen und anderem Papier macht.
In der Bretagne, während er gerade seinen Umgang mit dem Pinsel zu verflüssigen sucht, bekommt er eine Rolle Packpapier von 3 Metern Länge und 70 Zentimetern Breite zu kaufen. Nun geht er in Erprobungen und entdeckt, dass er seine Malerei vom traditionellen Format ausdehnen kann zu einer Art Unendlichkeit in einer Dimension, die, selbst wenn sie Grenzen hat, kein Oben und Unten, keinen Anfang und kein Ende kennt und von allen Seiten betrachtet werden kann. Später hat ihn seine riesige Installation für die Stadt Sarajevo mit dem Masstab der urbanen Landschaft konfrontiert. Dreihundert Bahnen sind auf Papier entstanden und vierzig auf Leinen, von denen die Hälfte gegenwärtig zwischen den Pfeilern der Marktkirche in Hannover hängen.
Mit der Zeit entwickelt sich die Arbeit in jenem ganz selbstverständlichen Atemzug. Ihre vollen und leeren Zeiten, bis zu den Tropfen der Tinte, die manchmal die Stille akzentuiren. Man denkt an Jackson Pollock, doch auf diesen langen Bahnen ist kein Raum für ein Zögern noch eine Zeit zur Umkehr. Der Leib des Malers, zugleich biegsam und gespannt in der Meditation vorbereitet, gleicht dem des Tänzers, der seinen Elan für einen Sprung sammelt. Man erinnert sich an den Film, den Rudolf de Lippe über Maurice Béjart gemacht hat. An seine Begegnung mit diesem Künstler, der Freiheit in eine absolute Disziplin brachte. Im Gegensatz dazu erinnert man sich an die Forschungen von Rudolf de Lippe über Geometrisierung der Bewegung in der Geschichte des Militärs und bis in die der französischen Gärten.
Seine Bildung durch den Austausch mit grossen Philosophen unserer Zeit, durch seine Arbeit in Indien und in Japan hat ihn in dem bekräftigt, was er instinktiv praktizierte: Körper und Geist kommen in einer einzigen Bewegung gleichzeitig ins Spiel, um die Eindrücke, die Empfindungen Ausdruck werden zu lassen, im Sinne jener Durchlässigkeit, die der Zen-Lehrer Dürckheim lehrte, mit dem er durch Jahrzehnte gearbeitet hat, wie auch im Aikido. Schritte auf dem Seil, die der Gefahr entgehen müssen, in Vagheit oder ins Dekorative zu verfallen.
Der Künstler, dem Rudolf de Lippe sich am nächsten fühlt, ist Jean Degottex, ein französischer Meister der lyrischen Abstraktion. Mit einer seiner Arbeiten, fast ein Comic, zeigt Degottex die Geburt und die Entwicklung eines Zeichens, die Beziehung zwischen dem Pinsel, der Hand, dem Körper, dem Schlag des Herzens und der Bewegung. Der Pinsel geht mit dem Atem, die Geste hält erst an, wenn der Atemzug endet – ein fast mystisches Ritual.
„Wieviel Kraft werden die Bilder haben, unsere Bereitschaft zu wecken, unsere Erinnerungen aus verschütteten Erlebnissen vom Auftauchen der Gesten in uns, um uns zum Leben zu bringen...“ sagt Rudolf de Lippe zu Degottex in seinem Buch „Sinnenbewusstsein“ von 1987.
Bei Rudolf de Lippe entwirft die genaue, schnelle Geste das Auffliegen eines Vogelschwarmes. Als Maler und Philosoph besteht er darauf, dass die Fülle nicht der Leere im Wege steht und dass die Leere dazu auffordert, die Bewegung weiter zu verfolgen.
So entstehen künstlerische, literarische und philosophische Annäherungen an das Phänomen, die auf einander antworten. In seiner Philosophie des Wandels und der Bewegung, die im Herbst 2010 beim Alber Verlag unter dem Titel: „Das Denken zum Tanzen bringen“, wie auch die Ausstellung, erscheint, sagt er: „Ich begriff, dass ich mich von dem Bewegungsgeschehen der Stare in kalligraphische Übungen führen lassen sollte. Es kam zu diesen Arbeiten, lange bevor ich meinen Satz bei John Cage wieder zu lesen bekam: ,Die Vögel steigen in mir auf!'.“
Das ist die Natur: Auch wenn die Vögel nicht dargestellt sind, man nimmt die Energien ihrer Flugbahnen wahr. Deren Überlagerungen lassen Ordnungen entstehen, die Fragen an den Betrachter stellen.
Christiane Germain
Paris, Juli 2010
Zur Person:
Christiane Germain hat durch die 70ger Jahre mit ihrem Mann Eric die Galerie Germain in Paris geführt, die die meisten der heute grossen Namen aus dieser Periode bekannt gemacht hat – von James Lee Byars bis Jürgen Klauke. Sie hat die erste Vereinigung von Galerien der Rive Gauche für gemeinsame Ankündigungen initiiert und mit Paul Menz den Austausch zwischen Pariser und deutschen Galeristen vorweggenommen.
Seit 1985 hatte sie eine Sendung über Architektur und Kunst bei Europe1, schreibt Bücher und Artikel in zahlreichen internationalen Zeitschriften, produziert Filme über Kunst und Design, ist Jurorin für das PS1 New York, den DAAD und in Tokio (mit Susan Sonntag, Elanna Heiss u.a.) Ihr neuestes Buch: „Paris – Berlin“ Ramsey, 2009.
Vernissage der Ausstellung: Freitag, der 27.August 2010 ab 20 Uhr.
Uraufführung einer Kompositum von Christian Ofenbauer (Mozarteum Salzburg)
Marc Stuhlmann (Köln) wird für die Vernissage ein Tanzsolo erarbeiten.
Es spricht Adrienne Goehler.
Werkstattgalerie
Eisenacher Str. 6
D-10777-Berlin
Phone: +49.30.21002158
Di-Fr 12-20h, Sa 12-18h
 | 01 Screaming Pope |
FRANCIS BACON’S DRAWINGS
17th September -23rd October 2010
curated by Edward Lucie-Smith
Organisation: Pascual Jordan
As everyone interested in Bacon’s work knows, Bacon many times, and often vehemently, denied that he made any use of drawing. This is contradicted however by an early interview with the critic David Sylvester (Bacon’s most frequent interlocutor), which is preserved on film. In it, Bacon admits that he does draw, but coyly says that puts his drawings aside and doesn’t look at them, when the moment comes to paint a picture.
Yet, since Bacon’s lonely death in Madrid in 1992, a mass of evidence has emerged to show that he not only did draw, but drew prolifically. When he died, for example, a canvas he had just begun was found in his Reece Mews studio in London. On it was a masterly full-scale drawing for the composition he intended to paint. Numerous scraps of paper with drawings on them, some mere scribbles it is true, were found when the Reece Mews studio was disassembled, to be afterwards reconstructed in Dublin.
An even greater mass of material of this type turned up in the possession of Barry Joule, who had evolved from being Bacon’s neighbor into being his odd-job man and general Mr Fixit. Joule’s account was that Bacon, shortly before his death, had handed him the drawings, with the words “You know what to do with these, don’t you?” Some people, knowing of Bacon’s frequent denials that he drew, might have understood this as an instruction to destroy them, but Joule chose to think otherwise.
While it is true that much of the Joule material is of disappointing quality artistically – a lot of it consists of rough drawings made on top of photographs torn from books and magazines, with others on top of photos, such as portraits of Bacon’s old nanny, also for a time his housekeeper, that were very personal to Bacon himself – there are powerful reasons for accepting it as genuine. One series of drawings in the Joule archive – made on top of illustrations ripped from boxing magazines dating from the late 1940s - has a direct link to a series of drawings purchased as genuine by the Tate shortly before the Joule archive emerged. These drawings, also made on top of illustrations ripped from boxing magazines, belonged to Paul Danquah, a friend with whom Bacon shared a flat in the early 1950s. Danquah, who later emigrated to Tangier, seems to have given them to Bacon when they were co-habiting.
The Joule material appears to cover a long period, and to be closely linked to a number of well-known paintings by Bacon. The artist closely guarded access to his studio and it is hard to imagine him allowing anyone, even a boy friend, to sit there in a corner, manufacturing Bacon related drawings. The two chief consorts of the middle and later years of his career, George Dyer, an ex-burglar of notable incompetence, who committed suicide in 1971, on the eve of Bacon’s first major retrospective in Paris; and John Edwards, who though shrewd and loyal, was uneducated, dyslexic and illiterate, seem particularly unlikely candidates.
The Joule material – and other drawings related to it – have been a permanent embarrassment to a part of the British art establishment ever since they first made their way into the public gaze.
If the material that emerged from Bacon’s studio after his death is problematic because of its lack of real artistic quality, the same cannot be said of the drawings exhibited in this new exhibition. These are ambitious works, signed and on a large scale, clearly made as independent works of art. They in many ways seem to sum up the essence of what Bacon tried to do. Why were they made, and why have they remained at least half-hidden for so long?
The evidence is that Bacon, at the end of his career, found his celebrity increasingly oppressive. His solution was to slip away to places where he was little known or not known at all, where he could stroll from bar to bar and from restaurant to restaurant, and amuse himself as he wished. One of his favorite places for escapes of this kind was Italy. A constant companion in his Italian adventures was a young and handsome American-Italian called Cristiano Lovatelli Ravarino. There is plenty of evidence that they were often seen together, in locations as different from one another as Bologna and Cortina d’Ampezzo. The drawings shown are presentation drawings, resembling in this the drawings that the ageing Michelangelo made for the young Tommaso Cavallieri.
There seem to have been several motivations for making them, apart from Bacon’s desire to commemorate a friendship. One was simply restlessness. Though happy to get away from the confines of his studio, Bacon still wanted to make art – but art of a light and portable kind (though not all of the drawings were made in Italy, some appear to have been done in London). At the end of his life, he wanted to try a new medium, one that had clearly always daunted him. He also seems to have wanted to correct mistakes made in the past. One striking feature of this series of drawings is that they recapitulate themes from work made much earlier in his career. Though the drawings belong to the last decade of Bacon’s artistic activity, their subjects are those that Bacon became associated with in the 1950s – the Popes after Velazquez and the portraits of businessmen. The Pope images are expanded into a series of portraits of ecclesiastics, perhaps inspired by what Bacon saw in the streets of Italian towns. There are also portraits of friends and images of the Crucifixion, a subject that preoccupied the artist throughout his life. Bacon frequently expressed dissatisfaction with the early works that had made his reputation, and these are an attempt to do better.
Bacon regarded his relationship to Ravarino as unofficial, in the sense that he could never get his friend to commit himself to something fully public – Ravarino worried what his family would say. He seems to have thought of the drawings as being essentially unofficial as well. He went to considerable trouble to keep their existence secret from his commercial representatives, the powerful Marlborough Gallery, who wished to preserve his shamanic persona even more than he did.
One fascinating aspect of these drawings in that they are the work of a Laocoon, a man struggling hard to escape from the entwining serpents of his own myth, and to return to the pleasure of making art for its own sake – no other reason than that.
Edward Lucie-Smith, August 2010
Opening of the Exhibitions: Friday 17th September at 8 pm in the presence of the curator.
A Shuttleservice between the galleries is provided
A catalogue with images of 50 drawings and an introduction by Edward Lucie-Smith will be released on the opening day.
Galleria Nove
Contact: Mrs. Christina Pedroni
Anna-Louisa-Karsch-Str. 9
D-10178 Berlin
Open: Tu-Sa 11-18h
Phone: +49.30.247816368
Web: www.galleria9-berlin.com
Werkstattgalerie
ContaCt: Mr. Mirko Freiwald / Pascual Jordan
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Open: Tu-Fr 12-20h, Sa 12-18h
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